En este blog podréis encontrar un duplicado de todas las entradas del blog Aula Musical de Adriana, que ahora se encuentra temporalmente inaccesible por motivos técnicos.
La educación musical ha sido y sigue siendo muy poco valorada en nuestro país. A casi todos los músicos nos han preguntado alguna vez:
- ¿Qué estudias?
- Música
- ¿Y qué más? ¿Qué carrera "de verdad" estudias?
- La música ya es una carrera de verdad... y una de las más completas.
Mucha gente desconoce que la música es una disciplina tanto de letras como de ciencias (por eso la carrera universitaria se llama "historia y ciencias de la música").
No dejan de publicarse estudios científicos que demuestran el enorme beneficio de la educación musical en los niños y cómo ésta ayuda a que mejore el rendimiento en el resto de las asignaturas. Sin embargo, mucha gente (y lo que es peor, mucha gente que alcanza el poder) piensa que la música es una "maría".
La educación musical no sólo aporta conocimientos: forma personas capaces de aplicar las matemáticas, la historia, las destrezas psicomotrices, la física, la sensibilidad artística y tantas otras disciplinas a una tarea que les conmueve y que conmueve a los demás. Un músico intenta emocionar a los demás con los sonidos. Su tarea es intentar hacer algo bueno y maravilloso para el público. Además, se aprende a cooperar y a respetar a los compañeros, gracias a la práctica musical en conjunto. En la música se une lo técnico, lo artístico, lo emocional, lo social... El cerebro de los músicos se desarrolla de una forma diferente, mejorando la capacidad de procesar sonidos, la atención, la concentración, la capacidad para aprender nuevos idiomas, etc. Son tantos beneficios que no queda duda de que esta materia debería llegar a todos los niños.
Así lo han entendido en Suiza, donde recientemente se ha acordado reformar la constitución para dar más valor a la educación musical. Así lo han entendido en Venezuela, con su Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles, y en otros países que han emulado este sistema. ¿Lo entenderemos alguna vez en España?
Por eso no puedo dejar de compartir este maravilloso artículo escrito por Mª Jesús Camino: ¿Qué aprendemos en clase de música? Es muy recomendable y de rápida lectura. No obstante, si alguien no tiene tiempo de leerlo ahora, puede ver al menos esta presentación a modo de resumen.
Acabamos de celebrar el día de la mujer. En muchos blogs de música estoy encontrando fantásticos trabajos sobre mujeres compositoras, intérpretes, etc. A mi me gustaría escribir unas palabras de reconocimiento a mujeres que han tenido un papel clave en la educación musical. Grandes pedagogas que merece la pena recordar.
María Montessori (1870-1952): En una época en la que las mujeres apenas tenían acceso a la educación, consiguió estudiar ingeniería, biología, antropología, psicología, filosofía y medicina (fue la primera doctora de Italia). Creó un método pedagógico basado en el respeto a los niños y en su capacidad para aprender en ambientes que favorezcan su libertad de elección, el descubrimiento, el juego, la colaboración...
"El niño, con su enorme potencial físico e intelectual es un milagro frente a nosotros. Este hecho debe ser transmitido a todos los padres, educadores y personas interesadas en niños, porque la educación desde el comienzo de la vida podría cambiar verdaderamente el presente y futuro de la sociedad." - María Montessori
Recomiendo la lectura de la web de la que extraje esta última cita:
Justine Ward (1879-1975): pedagoga estadounidense que escribió varios métodos sobre enseñanza musical. Dirigía su atención a la enseñanza del canto, especialmente del canto gregoriano (que había estudiado en Solesmes). Creía que todos los niños pueden cantar afinadamente si reciben la formación vocal y auditiva adecuada. Utilizaba el piano como soporte armónico y también empleaba una notación numérica.
Gunild Keetman (1904-1990) y Dorothee Gunther (1896-1975): La importancia de estas dos mujeres ha quedado a veces a la sombra de Carl Orff. En 1924, Carl Orff y la bailarina Dorothee Gunther abrieron una escuela de gimnasia, música y danza. Dorothee Gunther era bailarina y gracias a ella el movimiento cobró gran importancia en la metodología de Orff. En esta escuela estudió Gunild Keetman, que pronto comenzaría a colaborar estrechamente con Orff. Ambos fueron los creadores de los 5 libros que componen el Orff-Schulwerk. El papel de Keetman en el desarrollo de la metodología Orff fue muy importante y no siempre ha obtenido el reconocimiento que merecía. Otra mujer, la catalana Montserrat Sanuy, contribuyó especialmente a la difusión de la metodología Orff.
La rítmica Dalcroze también fue extendida gracias a algunas de sus discípulas, como Marie Rambert, Rosalia Chladek, Mary Wigman o Hanya Holm (ya en el campo de la danza).
El método Martenot tampoco fue desarrollado exclusivamente por Maurice Martenot, sino que fue un trabajo en equipo desarrollado junto a sus hermanas Ginette y Madeleine Martenot y su esposa Renée. Su labor fue continuada por su hija Ariane. Sin embargo, seguimos recordando el método Martenot como el método de Maurice Martenot...
Erzsébet Szőnyi (nacida en 1923): Discípula de Kodaly, ha extendido su método por todo el mundo. En Hungría goza de un altísimo reconocimiento como pedagoga y como compositora. Entre sus composiciones, muchas tienen fines pedagógicos y van dirigidas a los niños: óperas, oratorios, ballets para niños, composiciones para jóvenes orquestas, canciones, piezas corales... Entre sus libros destacan: Kodály's Principles in Practice: An Approach to Music Education through the Kodály Method, Musical Reading and Writing (2 volúmenes) y Bicinia Americana.
Violeta Hemsy de Gainza: Violeta Hemsy de Gainza Pedagoga musical argentina de renombre internacional con más de 40 publicaciones sobre pedagogía y didáctica, entre las que destacan: Fundamentos, materiales y técnicas de la educación musical, La educación frente al futuro, Juegos de manos, Canten, señores, canten, La improvisación musical o La iniciación musical del niño.
Concede gran importancia a la creatividad y la motivación.
He nombrado a algunas, pero son muchas más. Os animo a que propongáis otros nombres escribiendo un comentario al blog (a mi se me ocurren unas cuantas pedagogas españolas, por ejemplo Encarnación López de Arenosa, Ana María Navarrete... animaos y escribid sobre alguien más). ¡Nuestro tributo a las profesoras!
El fin de semana pasado asistí al II Congreso de Educación e Investigación Musical (CEIMUS) en Madrid. Fue una experiencia muy enriquecedora, ya que el congreso ofrecía un completísimo programa de ponencias, comunicaciones, mesas redondas, posters, etc. Podéis ver el programa en el siguiente enlace:
Estoy muy agradecida al comité científico por aceptar mi comunicación, titulada "El uso de Internet como complemento formativo dentro y fuera del aula de lenguaje musical", a todas las personas asistentes por la calurosa acogida y las felicitaciones, a quienes no pudieron asistir pero manifestaron su interés en leer las actas o ver la grabación del evento, a todos los ponentes y comunicantes que presentaron temas interesantísimos, a los profesores y compañeros del Conservatorio Superior de A Coruña por todo el apoyo antes y durante el congreso, a los amigos que reencontré, conocí o "desvirtualicé" en el congreso, a los compañeros del Conservatorio Profesional de Gijón por todas sus muestras de apoyo y especialmente a David Muñoz, profesor de tuba, por acompañarme y dedicarme unas afectuosas palabras en su blog.
Desde mi humilde opinión, me gustaría destacar algunas de las intervenciones que más me gustaron o impactaron.
Luca Chiantore expuso una interesante reflexión sobre los modelos interpretativos actuales. ¿Creación? ¿Imitación? ¿Cuál es el papel actual de un intérprete? ¿Hace una aportación al mundo del arte con interpretaciones únicas y personales o se limita a copiar otras interpretaciones como si fuese un mero artesano? Comparó a los intérpretes actuales con los intérpretes de siglos pasados y acompañó su exposición con grabaciones históricas.
También pudimos disfrutar de una interesantísima mesa redonda sobre la educación auditiva, con intervenciones de Pedro Cañada (que nos deleitó con ejemplos al piano de ejercicios para el desarrollo del oído armónico y otras cuestiones auditivas), Sofía Martínez (simplemente fantástica: con una sólida fundamentación de sus ideas sobre el oído y la memoria musical y una extraordinaria capacidad comunicativa), Daniel Roca (que realizó un impresionante trabajo al escribir y compartir su libro "analizar con el oído", que podéis descargar desde aquí) y Elena Esteban (que habló de los tests de evaluación auditiva de la ABRSM).
Ana López y Andrea Giráldez abrieron el tema de los recursos tecnológicos en educación musical, presentando algunas herramientas y reflexionando sobre la web 2.0. Personalmente, sigo el trabajo de Andrea Giráldez, así que me encantó escucharla en vivo. Comparto con ella la idea de que no podemos dejarnos deslumbrar por la tecnología, sino que debemos buscar la manera de aprovecharla en tareas que con otros medios no resultarían tan fructíferas.
El viernes se completó con numerosas comunicaciones sobre innovación, motivación y creatividad en la enseñanza musical.
El sábado pudimos escuchar a Emilio Molina y Carme Passolas hablando sobre la metodología del IEM, el Instituto de Enseñanza Musical Emilio Molina, con un sistema pedagógico basado en la improvisación. Creo que este método es bien conocido por todos y con él se obtienen excelentes resultados cuando es conducido por profesores bien formados, tal como pudimos ver en los vídeos de las clases de lenguaje musical de la profesora Silvia Raposo, de los que hablaré después.
Luis Ángel de Benito (recomiendo el programa que presenta en Radio Clásica: música y significado) sorprendió a todos con su rompedora ponencia titulada "¿Para qué?". En ella se cuestionaba la utilidad de algunas metodologías empleadas en conservatorios. Especialmente en tiempos de crisis, cree que debemos preparar a nuestros alumnos para ganarse el pan en el mundo real con las enseñanzas musicales recibidas y eso supone una apertura mental que no todos los profesores parecen dispuestos a adoptar (aunque afortunadamente, algunas de las "buenas prácticas" que expuso se están extendiendo).
La mesa redonda "actualidad de las metodologías en educación musical", trató de temas que me apasionan (metodología IEM, Orff, Dalcroze, etc.), y aunque no me descubrió muchas cosas nuevas, creo que fue muy interesante. Fue una pena que faltasen otras metodologías, pero había poco tiempo y me imagino que quedarán para próximos congresos. Me encantaron los vídeos en los que se veían ejemplos prácticos de aplicación en el aula de las metodologías IEM (a cargo de Federico Calcagno y Silvia Raposo) o Dalcroze (Pablo Cernik), ya que creo que en un congreso tan denso como este es muy importante captar la atención del público en los escasos minutos de cada intervención. A partir de ahí, cada uno ampliará información de aquellos temas que más le hayan impresionado (creo que para leer, ya están las actas... y seguramente muchos coincidirán conmigo en esto: las presentaciones han de ser dinámicas). Bravo, Calcagno-Raposo y Cernik, porque con estos vídeos impresionasteis al público y muchos salimos de allí con ganas de incorporar o reforzar estos recursos en nuestra práctica docente. Wolfgang Hartmann habló de la metodología Orff, que es francamente interesante (aquí tenéis información sobre los próximos cursos que organiza la asociación Orff en España). Magnífico también Claudio Forcada con sus estudios sobre pedagogía de los instrumentos de cuerda (con su dominio del tema, nos enganchó incluso a quienes no nos dedicamos a la pedagogía instrumental).
Álvaro Zaldívar presentó su ponencia "la práctica musical como tarea científica: investigando etnográficamente los procesos artísticos" y defendió la importancia de que la propia actividad musical (creación, interpretación...) sea reconocida en las tesis doctorales. Los modelos musicológicos para las tesis no tienen por qué ser los únicos. Destacó su cita de Charles Rosen (a quien admiro mucho y tuve el placer de conocer hace bastantes años): "la musicología es para los músicos lo que la ornitología para los pájaros". Una frase muy clara, aunque no debemos quedarnos con lo más superficial ni entender que la musicología es algo totalmente ajeno a los músicos. Sin estudios de ornitología, muchos pájaros estarían desprotegidos y maltratados por el hombre. De todas formas, da mucho que pensar y eso es lo importante.
Antonio Narejos habló de la investigación en los conservatorios superiores, con referencias a interesantes programas europeos. Me pareció muy importante que se tocase este tema (también presente en algunas comunicaciones), ya que los centros superiores deben crear conocimiento y la investigación es la clave para ello. En el debate posterior, se trató el tema de la incorporación de las enseñanzas musicales superiores a la Universidad. Las opiniones son muy diversas. Para quienes estéis a favor de la incorporación a la Universidad, recomiendo visitar esta web: http://www.eeaassuniversidad.guidoblogs.org/
Hasta aquí mi pequeño resumen de las ponencias. Lo cierto es que no pensaba comentarlas cuando empecé el post, pero me ha resultado imposible no hablar sobre ellas porque creo que han sido muy interesantes y merecen la máxima difusión. Esperamos las actas para ampliar información. En este enlace podéis ver las actas del primer CEIMUS, celebrado hace 4 años.
En breve espero colgar algo más sobre mi comunicación. Aquí tenéis mi presentación visual, para ir abriendo boca (pulsad play, esperad unos segundos a que cargue y seguid utilizando las flechas). Gracias a la artista Luigar Castell, por realizar las ilustraciones que le encargué para esta presentación:
Hoy es el día escolar de la no violencia y la paz (fecha elegida por el fallecimiento de Gandhi). Por eso en clase hemos hablado de la paz, del compañerismo, de la cooperación... y también de la paz interior, tan importante y tan olvidada en algunas ocasiones.
Somos más felices cuando estamos en paz con nosotros mismos. Esa paz puede contagiarse a los demás, igual que se contagia la risa, las lágrimas...
Es muy importante ayudar a nuestros alumnos a desarrollar su inteligencia emocional, a autorregular sus emociones. Por eso les transmito que no es posible estar concentrados para hacer música si estamos estresados, apurados, atemorizados o simplemente nos lanzamos a hacer las cosas sin pensar. He aquí algunas pautas para realizar los ejercicios de lenguaje musical estando concentrados a la vez que relajados:
- Pensar antes de comenzar la lectura o la entonación: compás, tonalidad, tempo, principales dificultades del ejercicio...
- No dejar que el metrónomo te estrese: gracias al metrónomo puedes estar seguro de que llevas el tempo correcto. Simplemente tienes que acostumbrarte a él (trabajando en casa), ponerlo a una velocidad que puedas asumir e ir subiendo poco a poco esa velocidad. No tengas prisa por ponerlo muy rápido: es mejor ser paciente y empezar despacio.
- No gritar al leer o al cantar: Tu voz suena mejor cuando cantas de una forma relajada y también cuando sonríes.
- Relajarse y "abrir los oídos" al hacer un dictado: A veces reconocemos las notas, los ritmos... pero tenemos tan poca confianza en nosotros mismos que no nos atrevemos ni a escribirlos. Respira hondo, escucha y confía en ti.
- Pensar siempre en hacer "música", hasta en el ejercicio más simple: Todas las melodías merecen ser cantadas como si fuesen las más bonitas del mundo. Los ejercicios te saldrán mejor y los disfrutarás más.
- No obsesionarse con las notas: vamos al conservatorio para aprender música. Es algo muy bonito, pero lleva mucho esfuerzo. Lo importante es aprender y mejorar, no sacar una nota determinada.
- No compararse con los demás: cada uno tiene su ritmo y algunos llevan tiempo estudiando música antes de venir al conservatorio. Cada uno debe preocuparse de cómo puede mejorar lo que hace y alegrarse de los logros de los demás. Está bien querer parecerse a los que mejor lo hacen, pero no tenemos que agobiarnos por ello o intentar conseguirlo en dos días. En clase somos un grupo y todos somos responsables de que el grupo vaya bien: ayudémonos unos a otros compartiendo, animando a los compañeros, preguntando dudas (porque siempre hay alguien más que tiene las mismas dudas y no se atreve a preguntar), no desconcentrando a los compañeros, etc.
Creo que es un buen momento para recordar nuestras normas de clase. Pincha en la imagen para acceder y descubre las normas moviendo la lupa (ojo, que hay muchas, tienes que pasar de una a otra con las flechas inferiores).
Dos nuevos sitios en los que seguir nuestras noticias:
La creación de Guido Blogs, por parte del profesor José Luis Miralles, ha sido una de las buenas noticias de principios de año. En esta web se reúnen interesantísimos blogs de profesores de conservatorios y escuelas de música. No dejéis de echarle un vistazo para buscar algún blog sobre vuestro instrumento o sobre otras materias musicales que os interesen (lenguaje musical, historia de la música, fundamentos de composición, improvisación, etc.).
Otra novedad de la semana es la incorporación del blog a Twitter. En el menú de la derecha, bajo el archivo del blog, podéis ver los últimos tweets publicados. Si tenéis cuenta en Twitter, también podéis haceros seguidores: http://twitter.com/#!/AulaAdriana
Para comenzar agosto, os dejo este impresionante vídeo que he conocido gracias a Claudia, del blog Do-Mi-Sol. Son 20 minutos de vídeo y sé que algunos pensarán: "uf, qué largo, perder tanto tiempo... quizás vea sólo el principio..." Pero os aseguro que os enganchará y os llegará al corazón. Es una charla dada por Benjamin Zander, director de la Orquesta Filarmónica de Boston y miembro del Conservatorio de Nueva Inglaterra. Tuvo lugar en la conferencia de Tecnología, Entretenimiento y Diseño (TED) de 2008 en California. Habla de la música y de la vida... por eso, tanto si os consideráis apasionados de la música clásica como si no, recomiendo que no dejéis de verlo. Que lo disfrutéis.
Aquí tenéis otro interesantísimo trabajo de una de mis alumnas de pedagogía: María González Blanco. Mis felicitaciones a esta brillante alumna por este trabajo sobre los compositores gallegos del siglo XIX.
Presentación sobre los compositores gallegos del XIX:
Aquí tenéis otro trabajo realizado por uno de mis alumnos de pedagogía: Álvaro Núñez. Una muestra más de lo bien que trabajan estos chicos. En este caso, Álvaro ha escogido el tema de la acústica. Es un tema que domina, tal como demostró en su brillante exposición. Espero que os guste y que pueda aclarar algunas dudas. En cuanto resuelva algunos problemillas técnicos, colgaré otro interesantísimo trabajo sobre compositores gallegos.
Aquí os dejo otro recurso creado por uno de mis alumnos de pedagogía musical: Iago Hermo. Este chico está estudiando para ser un buen pianista y tiene muchas papeletas para lograrlo: aptitudes, determinación, esfuerzo, musicalidad, inteligencia... Hoy nos presenta a uno de sus compositores favoritos: Claude Debussy. Si queréis conocer un poco mejor la vida y la obra de Debussy, no dejéis de visitar el siguiente enlace. No olvidéis pinchar en los títulos subrayados: contienen vínculos a youtube de algunas de sus principales obras.
Hola a todos. La entrada de hoy es muy especial, ya que es la primera vez que voy a incluir en el blog el trabajo de una alumna. Imparto las clases del itinerario de pedagogía musical en el Conservatorio Profesional de Música de Santiago de Compostela y últimamente estamos viendo los trabajos de fin de curso de los alumnos, en los que ponen en práctica lo aprendido. Con el permiso de la autora, voy a colgar aquí el enlace a uno de los trabajos, realizado por Verónica Louzao. Ha realizado un magnífico trabajo sobre el compás de 5/8, elaborando presentaciones teóricas en powerpoint con ejemplos musicales en partitura y vídeo, componiendo una canción sobre el 5/8 y aplicándole percusión corporal, elaborando un mapa conceptual, ideando actividades y pasatiempos con educaplay y realizando una página web con wix para organizar todo el trabajo. Felicidades a esta joven que, si sigue sus estudios con ilusión y esfuerzo, seguro que llegará a ser una gran profesora. Felicidades también a los demás alumnos de pedagogía porque todas las exposiciones están siendo un éxito. ¡Bien hecho, chic@s! Pinchad en la imagen para acceder al trabajo de Verónica y aprender más sobre el compás de 5/8.
Ya que mis alumnos de la asignatura de pedagogía (que imparto en 6º de grado profesional) están utilizando las TIC para elaborar recursos musicales, les he hecho un tutorial para aprender a insertar actividades en Wix (por ejemplo, actividades de educaplay). Respondo así a una de las cuestiones que me plantearon en la última sesión de tutoría. Espero que os sirva. Podéis ver el vídeo en el siguiente enlace (se necesita flash): http://screencast.com/t/ZueafNOF6
Os he preparado una versión musical del juego "Quién quiere ser millonario". Para ello, he utilizado el programa creado por los profesores J.Carlos Galán, Jose A. Garabatos y Jorge Pedrosa. Pinchad en la imagen para acceder al juego. Igual que en el concurso de la tele, las primeras preguntas son fáciles, pero... ¿podréis llegar al final? Recordad que podéis usar los 3 comodines: preguntar al público, hacer una llamada o reducir las respuestas posibles al 50 %. Pulsad el botón de play que aparece en la pantalla para comenzar el juego y para pasar a las siguientes preguntas. Parece que funciona bien con Firefox. Con Internet explorer, hay un pequeño problema con la carga del juego, pero podéis solucionarlo con un par de clics. En el caso de que os salgan preguntas que ponen "undefined"... pinchad en cualquiera y os saldrá que habéis perdido. A continuación pinchad en el botón de play que aparece en una de las pantallas: Pondrá "novo xogo" y a la 2ª vez "comezar xogo". Entonces aparecerán las preguntas de verdad. ¡Suerte!
Seguro que muchas veces buscáis algún manual de consulta que os ayude a entender algunos términos musicales. Puedo recomendaros una publicación de distribución gratuita: El vademecum musical, editado en PDF por el IEM (Instituto de Educación Musical). Sus autores son Daniel Roca y Emilio Molina. Podéis descargarlo en este enlace: Vademecum Y para saber más sobre sus autores y el IEM, podéis visitar este otro enlace: IEM
Aquí os dejo un vídeo en el que Leonard Bernstein explica de manera clara y cercana qué son los modos. Incluye numerosos ejemplos de los modos más utilizados: dórico, frigio, lidio y mixolidio. Bernstein consigue que sea realmente fácil de entender. Este concierto inauguró la décima temporada de los Conciertos para Jóvenes que Bernstein grabó para televisión con la Filarmónica de Nueva York. Se emitió el 23 de noviembre de 1966. Aquí va la lista de reproducción, con 6 partes. Al terminar cada parte, aparece el enlace a la continuación.
Espero que lo disfrutéis. (Un par de aclaraciones: cuando toca las escalas menores lo hace siempre utilizando la escala menor melódica, para que la única diferencia con la escala mayor sea la tercera. Habla de modos menores para aquellos que forman una tercera menor entre los grados I y III y de modos mayores para los que forman una tercera mayor entre esos grados).
Los alumnos de pedagogía que tenéis que realizar el test CHAEA (Cuestionario Honey-Alonso de Estilos de Aprendizaje), podéis encontrarlo en la siguiente dirección: http://www.estilosdeaprendizaje.es/chaea/chaea.htm Al realizar el test, aparecerán unos resultados numéricos de cada estilo de aprendizaje. Por ejemplo: activo ?, reflexivo ?, teórico ?, pragmático ?. Tenéis que anotar esos resultados. La próxima semana comentaré cuáles son los rasgos principales de cada estilo de aprendizaje y después lo colgaré en el blog para todos los lectores que tengan curiosidad sobre el tema.
Hace tiempo que escribí sobre el sistema de orquestas infantiles y juveniles de Venezuela (El Sistema - Premios Príncipe de Asturias) y hoy quiero recordar la estupenda labor que realizan. Para ello, os dejo unos enlaces, que espero que puedan servir de inspiración:
Hoy, día de la mujer trabajadora, quisiera recordar especialmente a una mujer que resultó clave para la educación musical en España: Elisa Roche. Mañana, 9 de marzo, se cumple un año desde su fallecimiento por cáncer. Yo no la conocí, pero ha sido profesora de músicos y pedagogos muy importantes como Fernando Palacios o Polo Vallejo. De lo que me enteré hace poco es de que había nacido en Gijón, igual que yo. Estudió en el Instituto Orff de Salzburgo. Fue una de las impulsoras de la reforma musical en la LOGSE. Fue catedrática de pedagogía en el Real Conservatorio Superior de Madrid y desde allí creó escuela. Podéis leer un artículo sobre ella en este enlace:
Toda una vida dedicada a la pedagogía musical. Desde aquí, todo mi respeto para ella y para todas las mujeres y los hombres que se dedican en cuerpo y alma a la profesión que aman.
Entre los métodos activos de enseñanza musical que surgieron en el siglo XX, podemos destacar el método del suizo Émile Jaques-Dalcroze (6 -7-1865 / 1-7-1950). Dalcroze se sentía decepcionado por la falta de vida en las escuelas de música, donde todo se reducía a frías clases teóricas y a desarrollar hábitos interpretativos mecánicos. En las clases de coro, los estudiantes estaban inmóviles y no mostraban emoción, expresión ni energía.
Entre los problemas que observaba destacan los siguientes: •Ciertos alumnos progresaban normalmente en el terreno auditivo, pero les faltaba la sensación de duración, la capacidad de medir los sonidos y de ritmar las sucesiones de igual duración. •A la acción de la música, a menudo, reaccionaban con movimientos involuntarios de ciertas partes del cuerpo (cabeza, pies, manos,...) de donde se podía deducir que "debía existir alguna relación entre la acústica y los centros nerviosos superiores". •No todos los alumnos reaccionaban igual. Muchos no coordinaban. "La inteligencia percibía los sonidos en el tiempo, pero el aparato vocal no podía realizarlos".
Así extrajo las siguientes conclusiones: •La musicalidad puramente auditiva es una musicalidad incompleta. Debe completarse con sensaciones corporales. •La arritmia musical es la consecuencia de una arritmia de carácter general. •Para crear armonías verdaderamente musicales hay que poseer un estado musical armónico interior.
Dalcroze quería solucionar los problemas que veía en los estudiantes y para ello desarrolló estrategias educativas que incorporaban el movimiento, pues creía que la musicalidad debía surgir del propio cuerpo. Había trabajado un tiempo en Argelia y allí los ritmos africanos habían despertado su curiosidad sobre la relación entre el ritmo y el movimiento.
Su método de enseñanza se basa en tres áreas fundamentales: la rítmica, el solfeo y la improvisación. La parte más conocida es la rítmica (conocida en inglés como "eurhythmics"), que se basa en el movimiento del cuerpo para desarrollar el sentido rítmico-musical. Hoy hablaré de la rítmica. En otro momento colgaré entradas sobre su método de solfeo e improvisación.
Aunque a veces pueda confundirse con un tipo de danza o de gimnasia rítmica, la rítmica Dalcroze no es un arte en sí, es un medio para llegar a otras artes. Exige concentración, voluntad y exactitud, pero no conduce a la fatiga sino que debe desarrollarse en un clima de alegría y confianza. También desarrolla la creatividad, expresividad, emotividad e imaginación, así como el sentido rítmico y espacial, perfeccionando el sistema nervioso y el aparato muscular.
La base de los ejercicios son los desplazamientos a distintas velocidades (caminar, correr, saltar…) También hay movimientos de todas las partes del cuerpo: nunca movimientos blandos o sin gracia... Deben implicar energía, precisión y voluntad artística. Este tipo de ejercicios van precedidos de un calentamiento. Son comunes los ejercicios en los que los brazos marcan los tiempos del compás y los pies realizan figuraciones rítmicas. Por ejemplo: las negras se marcan con pasos, las corcheas con pasos más rápidos, las blancas con un paso y una flexión de rodilla (porque tienen dos tiempos), las blancas con puntillo con un paso y dos movimientos del pie hacia un lado y hacia el centro (porque tiene 3 tiempos), la redonda con un paso y tres movimientos del pie (cruzarlo con la otra pierna, llevarlo hacia fuera y hacia el centro, como los 4 tiempos de la redonda), etc. También se usan aros, pelotas, guirnaldas… La posición de partida para estos ejercicios es la siguiente: muy estirados, con los brazos hacia arriba y las palmas de las manos hacia delante, con el pie que va a dar el primer paso estirado hacia atrás. Esto es muy importante, ya que implica una preparación para el ejercicio. Es necesario que en el momento de la posición inicial se calcule la energía que se necesita para cada movimiento. Pensemos en los músicos que deben prepararse para tocar una pieza: igual que en la rítmica, sería muy bueno que hiciesen un pequeño calentamiento y que antes de tocar se tomasen su tiempo para pensar el pulso que van a llevar, el carácter que quieren imprimir a la pieza... es decir, tener una buena posición de partida. En la rítmica también es muy importante el espacio y su utilización. Los ejercicios se realizan siempre al ritmo de una música: puede ser grabada, pero generalmente se toca al piano (casi siempre improvisando). La improvisación al piano no será nunca un acto mecánico: también tendrá voluntad artística. Los alumnos deben reaccionar ante cambios de música o indicaciones verbales (por ejemplo, gritar "hop" y que en ese momento los desplazamientos cambien de dirección o de velocidad).
Se llama plástica animada a la parte de la rítmica que da gran importancia al componente visual, creando coreografías y puestas en escena. Esto ha llevado a algunos a creer que la rítmica consiste sólo en ejercicios de danza o expresión corporal. También hay quien olvida las bases de la rítmica y recurre enseguida a la plástica animada para captar fácilmente la atención del público o los propios alumnos. Lo importante de los ejercicios es que sirvan para aprender algo, para interiorizar una sensación musical, para analizar la forma de una pieza que se escucha, etc. Insisto en que la rítmica es un medio, no un fin.
Respecto al trato a los alumnos, es importante crear un clima de confianza y seguridad, que favorezca la expresión y la creatividad. Cada alumno debe sentirse importante y ha de tener su espacio: hay que conocer los nombres de todos y emplearlos con frecuencia. Hay que evitar las conductas represivas: no resaltar que algo se hace mal. Es muy difícil aprovechar este tipo de clases si los alumnos se sienten cohibidos o juzgados. Con el trabajo grupal, los propios alumnos se irán adaptando a los demás en la medida de sus posibilidades.
Algunas técnicas de trabajo grupal pueden ser las siguientes: trabajar con ostinatos (fórmulas rítmicas repetitivas y cortas), ecos (un grupo hace una estructura y otro lo imita), en cadena (igual que el eco pero con más grupos), sumando grupos, en canon o con fórmulas de pregunta-respuesta.
Aquí os dejo algunos vídeos para que veáis clases de rítmica.
Niños trabajando con pelotas: fijaos en cómo tienen asumida la forma musical del "Para Elisa" y lo bien que les viene esta actividad para sentir el fraseo.
Niños trabajando con pañuelos: y pasándolo en grande con la música clásica.
